Quels sont les inconvénients d’une hollow body ?

J’ai toujours eu un faible pour les hollow body — ces guitares qui chantent comme un violon et qui vous font fondre un médiator sur la langue. Mais elles ont des défauts réels, parfois agaçants. On va passer au scalpel les inconvénients d’une hollow body : construction, son, amplification, jeu live, entretien et coût. Pas de langue de bois, juste ce qu’il faut pour vous aider à choisir la guitare qui vous correspond (ou pour que vous arrêtiez d’en acheter une si vous jouez du sludge à fond).

Construction, fragilité et limitations physiques

La hollow body est souvent un objet d’art : table et fond creux, ouïes, manche collé… mais cette élégance a un prix. D’abord, la fragilité structurelle est réelle. Une caisse creuse, même renforcée par des blocs internes sur les modèles semi-hollow, reste plus vulnérable aux chocs, aux variations d’humidité et aux torsions que la plupart des solid body. Les jonctions manche/corps, les purflings et les vernis peuvent se fissurer plus facilement, surtout si vous transportez la guitare sans housse rigide.

Conséquences pratiques :

• Les accidents de scène ou de van : une chute sur le bord peut provoquer des éclats ou un blocage de la table.
• Les variations d’humidité : la caisse creuse amplifie les effets du bois qui travaille ; réglages fréquents et risques de décalage de hauteur des cordes.
• Réparations coûteuses : réparer une table fendue, recalibrer un manche collé ou remplacer un binding, ce n’est pas la même facture que pour un corps plein.

Autre point physique : l’épaisseur et le confort. Les hollow ont souvent des bords plus larges et un corps moins compact. Si vous jouez assis longtemps ou si vous avez de petites mains, la caisse peut gêner les positions classiques de l’avant-bras ou rendre certaines techniques inconfortables. Et ne me lancez pas sur le poids apparent : parfois légères, parfois lourdes si renforts et hardware massif s’ajoutent — il faut tester sur vous.

La stabilité des réglages (action, intonation) peut être moins prévisible qu’avec une solid. Le manche collé typique des archtops donne un son superbe mais complique parfois l’accès aux truss rods et à certains réglages rapides en répétition.

En résumé : une hollow, c’est beau et sonnant, mais c’est un instrument qui demande plus d’attention physique — transport, stockage et manutention — que la plupart des solid bodies.

Sensibilité au feedback et contraintes à l’amplification

Si vous comptez tout brûler sur scène à plein volume, la vulnérabilité au feedback est le talon d’Achille d’une hollow. La caisse résonnante agit comme un micro acoustique : à partir d’un certain niveau, les haut-parleurs de l’ampli excitent la caisse et la guitare répond… en boucle. Le feedback peut être musical (contrôlé) ou totalement incontrôlable et destructeur au bon (ou mauvais) moment.

Pourquoi c’est problématique :

• En live, sur une scène avec des retours de scène ou des FRFR, il devient difficile de monter le volume sans se battre contre des harmoniques qui s’emballent.
• Les fréquences en cause ne sont pas toujours prévisibles : les harmoniques basses de la caisse peuvent déclencher des vibrations sur des notes aiguës, surprenant le joueur.
• Certains micros arment le phénomène : les humbuckers vintage, les micros à simple bobinage proches de la table ou des micros piezo en caisse résonante accentuent l’effet.

Solutions mais avec limites :

• EQ notch / coupe bas : utile mais vous perdez du grain.
• Noise gates et pédales anti-feedback : efficaces si le jeu est propre, mais limitent la dynamique et la saturation possible.
• Micro-humbuckers de type mini ou positionnement éloigné de la table : atténuent le phénomène, mais modifient le caractère sonore que vous vouliez.

Anecdote : je me souviens d’un set jazz où je devais monter le volume pour jouer avec un trio de cuivres — à la troisième montée, la hollow s’est mise à chanter toute seule, note continue, comme si elle avait décidé de prendre la parole. J’ai fini par la changer pour une semi-hollow plus docile et tout est rentré dans l’ordre.

Bref, la sensibilité au feedback transforme souvent la gestion du son en mission technique : égalisation, choix d’ampli et d’effets deviennent cruciaux. Si vous jouez en groupe fort ou sur scènes foisonnantes de retours, ce point pèse lourd dans la balance.

Limites sonores, polyvalence stylistique et attentes auditives

La sonorité chaleureuse, résonante et riche en harmoniques d’une hollow body est un atout indéniable pour le jazz, le blues, le rock vintage ou le fingerstyle. Mais cet avantage se transforme parfois en contrainte quand on recherche polyvalence sonore ou agressivité moderne.

Manque de punch et de sustain :

• Comparée à une solid body, la hollow offre moins de sustain prononcé et moins de présence dans les médiums supérieurs. Les riffs staccato très incisifs que vous voulez claquants en rock moderne peuvent paraître mous sur une hollow.
• Pour obtenir du gros crunch ou de la distorsion serrée, il faut travailler le set amp/pédales ; sinon, le son “bave” et perd en définition.

Couleurs limitées quand on pousse :

• Les saturations high-gain modernes (metal, djent, hard rock contemporain) ne s’accordent pas naturellement avec une caisse creuse : on perd la netteté et on gagne un “mélange” d’harmoniques qui embrouille le son.
• Les bends et les lead très incisifs peuvent manquer d’attaque — on aime la rondeur, mais parfois on veut de la lame.

Nuances utiles pour certains styles :

• En revanche, si vous cherchez chaleur, richesse harmonique, nuances dynamiques et un timbre organique, la hollow excelle. Sur un morceau de jazz ballad, elle transforme un simple accord en tableau.
• Pour le blues, elle donne ce vibrato naturel et ces harmoniques qui rendent chaque note expressive.

Conseils pratiques :

• Si vous êtes multi-style et jouez fréquemment du rock moderne, préférez une semi-hollow ou une solid body polyvalente.
• Considérez des pickups plus modernes (humbuckers alnico V, tapis de micro) et des EQ paramétriques pour sculpter le son quand vous poussez les gain.
• Testez la guitare sur le matériel que vous utiliserez en live : votre ampli, vos pédales et votre position sur scène influencent énormément la perception de polyvalence.

La hollow est un choix stylistique : superbe si vous voulez du caractère organique, moins adaptée si vous exigez une gamme sonore ultra polyvalente et agressive.

Entretien, réglages, coût et aspects pratiques (transport, assurance, revente)

Acheter une hollow body, ce n’est pas juste payer un instrument : c’est accepter une routine d’entretien et des coûts indirects. D’abord, il y a l’impact sur le portefeuille : les hollow de qualité coûtent souvent plus cher à configuration équivalente qu’une solid d’entrée de gamme, et l’entretien peut augmenter la facture à long terme.

Entretien régulier :

• Stabilisation hygrométrique : la caisse creuse réagit plus vite aux variations d’humidité et de température. Il faut souvent un hygromètre dans votre housse, un humidificateur pour l’hiver et un contrôle fréquent des frettes et du manche.
• Réglages : lintonation, hauteur de manche et réglage des micros demandent davantage d’attention ; le manche collé peut rendre certaines opérations plus délicates pour un luthier non spécialisé.
• Nettoyage et vernis : les tables vernis nitro (fréquentes sur archtops vintage) demandent des soins spécifiques pour éviter craquelures.

Coût des réparations et assurance :

• Une casse sérieuse (table fendue, binding arraché) coûte souvent plus cher à réparer que sur un corps plein.
• Pensez à l’assurance instrument si vous bougez beaucoup ; pour une hollow haut de gamme, c’est souvent indispensable.

Transport et ergonomie :

• Housse rigide recommandée : la protection coûte, mais évite des mésaventures.
• Poids et ergonomie : la largeur et l’équilibre peuvent imposer des straps spécifiques ou rendre le jeu debout moins confortable si la guitare bascule.
• Scènes exigentes : si vous êtes en tournée, multipliez les vérifications et envisagez une backup solid pour les soirs “à risque”.

Valeur à la revente :

• Les hollow vintage et signées se revendent bien, parfois mieux que des solid comparables. Mais les modèles modernes grand public peuvent stagner si le marché local n’est pas friand de ce type d’instruments. Pensez au marché local et à votre style avant d’investir.

Petite checklist pratique :

• Housse rigide + humidificateur portable
• Contrôle des actions et intonation tous les 3–6 mois si vous jouez souvent
• Budget luthier en plus du prix d’achat (~5–15% par an selon usage)
• Assurance instrument pour la tournée

En résumé : la hollow nécessite un engagement — temps, attention, budget — que certains acceptent volontiers pour le timbre unique, et que d’autres trouvent dissuasif.

La hollow body est un instrument avec une personnalité forte : chaleureuse, expressive et belle à regarder. Mais elle vient avec des inconvénients concrets : fragilité, sensibilité au feedback, limites en polyvalence sonore, et entretien/coûts supérieurs à la moyenne. Si vous jouez du jazz, du blues, du rock vintage ou préférez le son organique à toute épreuve, acceptez ces contraintes et vous serez récompensé. Si vous êtes sur des scènes bruyantes, jouez du metal moderne ou cherchez un instrument “plug & play” sans prise de tête, la hollow risque de vous complexifier la vie.

Mon conseil à la Claude : testez toujours la guitare dans les conditions réelles (ampli, groupe, position de scène). Et si vous hésitez entre hollow et semi-hollow, la semi est souvent un excellent compromis : une partie du charme de la caisse creuse, moins de casse-tête niveau feedback. Allez, maintenant la seule vraie question : est-ce que vous voulez sonner comme un sax ou comme une tronçonneuse ? Choisissez en conséquence, et surtout, jouez.